W sztukach wizualnych istnieje niezliczona ilość ruchów. Najczęściej nowy styl powstaje na bazie już istniejącego i przez pewien czas rozwijają się równolegle. Na przykład rokoko w malarstwie Europy Zachodniej powstało na bazie pompatycznego i wspaniałego baroku.
Jednak pojawienie się nowego stylu, jak to często bywa, początkowo spotkało się z krytyką. Rokoko oskarżano o brak gustu, frywolność, a nawet niemoralność. Niemniej jednak nie można odmówić mu wkładu w dalszy rozwój sztuk pięknych.
Narodziny nowego kierunku
W XVII-wiecznej Francji modne stało się ozdabianie parków stylizowanymi grotami ze sztukaterią, czyli muszlami ze splecionymi łodygami roślin. Z biegiem czasu to element dekoracyjny stał się dominującym motywem zdobniczym, choć uległ znaczącym zmianom.
Na początku następnego stulecia trudno było rozpoznać w nim znajomą muszlę, raczej przypominała dziwnie zakrzywiony lok. Dlatego francuskie słowo rocaille nabrało szerszego znaczenia. Teraz oznaczało to nie tylko kamień czy muszlę, ale wszystko fantazyjne i wijące się.
Ludwik XV odziedziczył tron w 1715 roku, dlatego też czasami nazywany jest jego imieniem rokokowy styl malarstwa. Rzeczywiście ramy chronologiczne panowania króla i rozwój nowego kierunku stylistycznego pokrywają się. A od Francji na początku XVIII wieku. był niekwestionowanym wyznacznikiem trendów, szał na rokoko szybko rozprzestrzenił się w całej Europie.
Funkcje stylu
Sztuka baroku, która powstała we Włoszech w XVII wieku, wyróżniała się przede wszystkim majestatem. Nigdy jednak nie rozpowszechnił się we Francji, choć niektóre jego cechy można doszukać się w stylu rokoko. Na przykład oba kierunki są dekoracyjne i bogate, jedyną różnicą jest to, że przepych rocaille jest pełen wdzięku i zrelaksowany, a barok jest energiczny i napięty.
Co ciekawe, dotychczasowe style powstały początkowo w architekturze, a następnie rozprzestrzeniły się na rzeźbę, dekorację i malarstwo. W przypadku rokoka było odwrotnie. Trend ten rozwinął się po raz pierwszy w projektowaniu wnętrz arystokratycznych buduarów i salonów. Wpłynęło to na rozwój sztuki użytkowej i praktycznie nie wpłynęło na architekturę zewnętrzną.
Rokoko w malarstwie to przedstawienie walecznych scen z życia arystokracji. Nie ma tu miejsca na surową rzeczywistość, motywy religijne, gloryfikację siły i bohaterstwo. Płótna przedstawiają romantyczne zaloty z domieszką erotyzmu na tle sielskich pejzaży. Kolejną cechą charakterystyczną stylu jest brak poczucia upływu czasu.
Ideologiczne podstawy francuskiego rokoka
Wraz z indywidualizmem stał się hedonizm ze swoim pragnieniem przyjemności jako najwyższego dobra i sensu życia główna filozofia Francuska arystokracja XVIII wieku. Określił także emocjonalne podłoże stylu rokoko w malarstwie, które wyrażało się w zabawnym wdzięku, słodkich kaprysach i uroczych drobiazgach.
To nie przypadek, że ulubioną alegorią rokoka stała się mityczna wyspa Cythera – miejsce, do którego gromadzą się pielgrzymi poszukujący zmysłowych przyjemności. Ten kawałek ziemi na środku Morza Egejskiego istnieje naprawdę.
To tutaj, według starożytnej mitologii greckiej, narodziła się piękna Afrodyta. To tutaj narodził się kult bogini miłości, który później rozprzestrzenił się po całej Grecji. Wyznawcy Afrodyty przybywali na wyspę, aby składać ofiary w sanktuarium zbudowanym na jej cześć.
W epoce rokoka Cythera symbolizowała raj dla zakochanych, którzy udali się na wyimaginowaną wyspę do świątyni Wenus. Panował tam wyrafinowany erotyzm, wieczne wakacje i bezczynność. Na Kieferze kobiety są młode i piękne, a mężczyźni wyjątkowo szarmanccy.
Z pałacu do prywatnego salonu
Trend w stronę kameralnego wystroju wnętrz pojawił się już na początku XVIII wieku. Arystokratyczne salony i buduary domów prywatnych, gdzie główna rola kobiety bawiły się i stały się ośrodkami kształtowania kultury walecznej i odpowiednich zasad zachowania.
Cała armia francuskich jubilerów, producentów mebli, krawców, malarzy i dekoratorów była gotowa spełnić wszelkie życzenia kapryśnych klientów. Moda rokokowa była dyktowana przede wszystkim przez królową i faworytki Ludwika XV: oraz markizę de Pompadour.
Głównymi rodzajami dzieł sztuki były kinkiety i panele, a także kompozycje malarskie nad otworami okiennymi i drzwiowymi. Teraz oprócz dworu królewskiego i prałatów kościelnych, nowa arystokracja i przedstawiciele trzeciego stanu zamawiali u artystów dekoracyjne obrazy do swoich salonów.
Gatunki i fabuły
Pomimo nowych idei malarstwo rokokowe nie odrzuciło całkowicie tradycyjnych tematów wypracowanych w przeszłości. Na przykład w dalszym ciągu używano tematów mitologicznych, dopiero teraz z całego starożytnego panteonu zaczęto czerpać głównie amorki i nimfy, a Wenus bardziej przypominała damę z towarzystwa demonstrującą rozkosze swojego nagiego ciała w pikantnej scenerii.
Z czasem pojawił się pastorał – nowy gatunek malarstwa kameralnego przeznaczonego do wnętrz mieszkalnych. Malowidła pasterskie w stylu rokoko przedstawiały idylliczne wiejskie pejzaże, na tle których pasterze i pasterze w bogatych strojach grają na fajkach, czytają lub tańczą. Pomimo niewinnych działań, cała atmosfera spowita lekką zasłoną erotyzmu.
Pionier szarmanckiego stylu
Watteau Jean-Antoine uważany jest za twórcę malarstwa rokokowego. Artysta zaczynał od naśladowania malarzy flamandzkich, jednak z czasem odnalazł swój własny styl, przedstawiając sceny waleczne. Jego obrazy charakteryzują się szczególną głębią artystyczną i nie są jedynie obrazem bezczynnych arystokratów flirtujących na łonie natury.
Antoine Watteau namalował dwa płótna oparte na popularnej fabule alegorycznej podróży na wyspę kochanków. Jedna z nich, „Pielgrzymka na wyspę Kythera”, jest wystawiana w Luwrze, a druga w Berlinie, w pałacu Charlottenburg. Obydwa są uderzającymi przykładami stylu rokoko.
Charakterystyczna dla sztuki XVIII wieku teatralność jest szczególnie widoczna w twórczości Watteau. Na przykład w konstrukcji kompozycji („Pasterze”, „Na Polach Elizejskich”). Zawsze jest tu pierwszy plan – swoista przestrzeń sceniczna, a grupy postaci rozmieszczone są w taki sam sposób, jak w teatrze.
Wieloaspektowa twórczość Bouchera
Oczywiście Watteau nie był jedynym artystą pracującym w nowym kierunku. Francois Boucher to kolejny wybitny przedstawiciel francuskiego rokoka, którego twórczość najpełniej odzwierciedlała szczerze niepoważny hedonizm właściwy tamtej epoce. Realizował zamówienia Ludwika XV, markizy de Pompadour, w szczególności namalował słynny portret swojego ulubieńca.
Boucher tworzył także dekoracje do oper, ryciny do książek Moliera, kartony na gobeliny, szkice do porcelany Sevres, słowem zajmował się różnymi dziedzinami sztuki pięknej.
Antoine Watteau nieświadomie odcisnął swoje piętno na twórczości Bouchera, który w młodości kopiował jego rysunki. Później Boucher studiował technikę barokową w Rzymie, został profesorem Francuskiej Akademii Sztuk i zyskał ogólnoeuropejską sławę.
Jego twórczość obejmuje wszystkie tematy charakterystyczne dla malarstwa rokokowego: mitologię, jarmarki wiejskie, alegorie, sceny chińskie, sceny z modnego życia paryskiego, pastorały, portrety i pejzaże.
Przedstawiciele rokoka w malarstwie
Fragonard Jean Honoré, jeden z najwybitniejszych francuskich artystów XVIII wieku, tworzył płótna z motywami zabawnymi i erotycznymi. Są to na przykład „Swing”, „Sneak Kiss”, „Two Girls”, „Odalisque” itp.
Jego obrazy pełne zmysłowej rozkoszy wyróżniają się subtelnymi efektami świetlnymi i cieniowymi, lekką manierą malarską i dekoracyjną kolorystyką. Styl Fragonarda zmieniał się z biegiem czasu. Jeśli obraz „Zatrzask” ukazuje styl klasyczny, to w portretach namalowanych w latach 60. XVIII wieku zauważalny jest wpływ romantyczny.
Kolejnym wybitnym przedstawicielem malarstwa Rocaille był Nicolas Lancret, który wiele zrobił, aby szerzyć francuski gust w Europie. Jego obrazy chętnie kupowały Katarzyna II, Fryderyk II pruski, nie licząc prywatnych kolekcjonerów – wielbicieli stylu rokoko.
Obrazy znanych artystów tamtych czasów prezentowane są dziś na wystawach największych muzeów świata. Choć krytycy odmiennie oceniają estetykę rokoka, nie sposób jednak odmówić oryginalności temu stylowi, który nie ma w historii pierwowzoru.
Moda XVIII wieku była modą na młodość, luksus i beztroskę. - taka jest moda ostatnich beztroskich lat arystokracji francuskiej, a także arystokracji całej Europy. Wiek XIX przejdzie do historii jako wiek rewolucji, pod koniec XVIII wieku król francuski jako jeden z pierwszych utraci koronę, a jednocześnie straci głowę.
Miniatura przedstawiająca Marię Antoninę (siedzącą po prawej stronie) i jej siostry
Maria Antonina – ostatnia królowa Francji, trendsetterka stylu rokoko
Ale na razie mamy wiek XVIII, czas balów i salonów. Czas sukienek z niesamowicie pełnymi spódnicami, w takich sukienkach trudno przejść przez drzwi i niewyobrażalnie wysokie fryzury. Przy takich fryzurach czasami trzeba podróżować w otwartych wagonach, ponieważ dachy wagonów są za małe na fryzury rokokowe. Przecież w tej chwili mogli nieść na głowach cały statek.
Jeśli chodzi o kostiumy, XVIII-wieczna moda ubiorowa opierała się na trzech podstawowych zasadach:
Portret Ludwika XVI - męża Marii Antoniny, ostatniego króla Francji (przed Rewolucją Francuską)
Pierwszą z nich jest młodość. Oczekiwano, że zarówno mężczyźni, jak i kobiety będą wyglądać tak młodo, jak to możliwe. Mężczyźni nie nosili brody i wąsów. Ich twarze pobielały i zaczerwieniły się. Na głowę zakładają małe, zebrane w małe ogonki lub węzły.
Kobiety maksymalnie zacisnęły talię gorsetami, w tym czasie za piękne uważano także małe piersi. Istniały nawet specjalne tabletki, które kobiety umieszczały pod stanikiem sukienek, aby zmniejszyć piersi. Ich twarze stały się białe i czerwone, oczy i usta się wyróżniały. Podobnie jak dawniej, podobnie jak w XVII wieku, noszono sztuczne pieprzyki.
Nawiasem mówiąc, w XVII wieku na dworze francuskim ceniono zaokrąglone kształty kobiece - obfite piersi, zaokrąglone biodra, ale jednocześnie wąską talię. Wiek XVII można nazwać czasem, w którym za standard piękna uważano dojrzałą kobietę, wiek XVIII jest odwrotnie, obecnie ideałem piękna jest młoda dziewczyna.
To samo stało się z kolorami ubrań. O ile w XVII wieku dominowały bogate odcienie granatu i czerwieni, o tyle w XVIII wieku zarówno męskie, jak i damskie garnitury szyto z tkanin w pastelowych kolorach. I to jest druga zasada mody XVIII wieku – ubrania powinny być w jak najdelikatniejszych kolorach: jasnozielonym, białym, różowym, niebieskim. Niebieski i różowy były ulubionymi kolorami stylu rokoko.
Portret Francois Bouchera – francuskiego artysty XVIII wieku
Zasada trzecia – jak najwięcej kokardek, wstążek i koronek. A zwłaszcza w męskim garniturze. Zarówno w XVII, jak i w XVIII wieku moda francuska jak nigdy dotąd i nigdy później nie zbliżała garnituru męskiego do garnituru damskiego swoją dekoracyjnością, sylwetką i złożonością. Mężczyźni nie tylko nosili kosmetyki, ale także kokardki, koronki i pończochy.
Wygląd męski w XVIII w. oznaczał noszenie białego podkoszulka z koronkowymi mankietami, pończoch, krótkich spodni zewnętrznych (kulotek) ozdobionych kokardkami, butów na obcasie i kokardki na palcach.
Odzież wierzchnia była pierwotnie justocore, która pochodziła z XVII wieku w XVIII wieku. Justocor to długi kaftan męski, dopasowany do sylwetki, bez kołnierza (na nim nałożono koronkowy kołnierzyk podkoszulka) i z kieszeniami, ozdobiony dużą ilością guzików i przepasany szerokim paskiem.
Do justocore - prototypu współczesnego krawata, noszono białą apaszkę. W okresie baroku, w stylu XVII wieku, justocore miał ciemny kolor, w okresie rokoka zaczęto go nosić w kolorze niebieskim, a nawet różowym.
XVIII-wieczna karykatura wysokich fryzur
Jednak justocore wkrótce zostaje zastąpiony surdutem. Surdut z XVIII w. jest dopasowany, rozszerzający się w kierunku bioder, z zakładkami oraz wąską linią ramion i rękawów. Surdut szyto z aksamitu, satyny, jedwabiu i ozdobnych guzików.
Pod koniec XVIII wieku pojawił się nowy rodzaj ubioru – frak. Pierwsze fraki szyto głównie z tkanin jedwabnych i aksamitnych różne kolory i ozdobione haftem.
Kobiety noszą również podkoszulki ozdobione koronką. Następnie gorset z fiszbinami i ramka na spódnicę sukienki. W tym czasie ramki wykonywane są na figurkach.
Fizzles - rama do spódnicy w formie wszytych płytek z fiszbinów lub gałązek wierzby. Uważa się, że figi pojawiły się po raz pierwszy w Anglii w 1711 roku. W połowie XVIII wieku pod halką zaczęto nosić owalne obręcze i pojawił się skomplikowany mechanizm zawiasowy do podnoszenia spódnicy. Teraz bardzo szeroką spódnicę przechodzącą przez drzwi można zwęzić, a następnie ponownie wyprostować.
Antoine’a Watteau. Dwóch kuzynów
Sukienka z zakładką Watteau
Pojawić się Różne rodzaje sukienki. Sukienka kuntush staje się najmodniejsza. Sukienka kuntouch (lub sukienka z „fałdą Watteau”) to sukienka wąska w ramionach z dość dużym dekoltem, której główną cechą są szerokie fałdy („fałdy Watteau”) z tyłu sukienki.
Fałdy te zostały nazwane na cześć rokokowego artysty Watteau, na którego obrazach można znaleźć wizerunki sukni kuntush. Również na tej sukience widać rękawy typowe dla sukienek w stylu rokoko - wąskie, rozszerzające się w stronę łokcia, ozdobione kaskadą bujnej koronki.
Francois Bouchera. Portret markizy de Pompadour
Szczegóły sukni markizy de Pompadour
Również w XVIII wieku pojawił się strój negliżowy. Tę sukienkę można nosić w domu. Negliż noszono bez oprawy i sztywnego gorsetu. Na to często zakładano karako – rodzaj damskiego fraka lub marynarki z długimi rękawami, krótkimi połami i klapami na piersi.
Portret Marii Antoniny autorstwa jej nadwornego artysty Vigée-Lebruna
Szczegóły sukni Marii Antoniny (jeden z portretów Marii Antoniny autorstwa Vigée-Lebruna)
Pod koniec XVIII wieku Anglia zaczęła wywierać coraz większy wpływ na modę Europy, w tym Francji. W XIX wieku Anglia zepchnie Francję na dalszy plan, a moda europejska XIX wieku będzie kształtować się pod wpływem mody angielskiej.
Francois Bouchera. Portret pani Bergeret
I tak z Anglii pod koniec XVIII wieku moda na strój polonezowy dotarła do Francji. Sukienka polonezowa uważana była za strój żołnierski i mogła być zarówno domowa, jak i wizytowa. Dół sukni polonezowej został dobrany w formie półkola tak, aby halka była widoczna spod niej.
Portret pani Oswald
W strojach kobiecych w stylu rokoko ważną rolę odgrywały także rozmaite dodatki – wachlarze, wstążki wiązane na szyi, kapelusze, grzebienie i broszki, torebki. Na przykład torebka „pompadour” otrzymała swoją nazwę na cześć ulubienicy francuskiego króla, Madame de Pompadour. Torebka pompadour to mała torebka w formie aksamitnej, materiałowej lub koronkowej torebki.
Vigée-Lebruna. Wicehrabina Vaudreuil
Dekolt sukni zakryty jest pod wpływem mody angielskiej
Również panie w XVIII wieku mogły nosić bardzo specyficzną biżuterię, na przykład pułapki na pchły. Pchły nie były wówczas rzadkością, a problemy higieniczne w pałacach istniały już od średniowiecza.
Europejscy arystokraci nie lubili się myć (a nie było warunków - w pałacach nie było łaźni) i dlatego woleli używać perfum w dużych ilościach. Zatem pułapki na pchły były zarówno ozdobą, jak i rzeczą całkowicie niezbędną z praktycznego punktu widzenia. Wyglądały jak widelec z ruchomymi zębami-wąsami. Damy towarzystwa nosiły na szyi łapacze pcheł jako dekoracje.
Pierścionek podarowany przez Marię Antoninę jej córce Zofii.
S.M. Daniel, słynny petersburski historyk sztuki, doktor historii sztuki, profesor Uniwersytetu Europejskiego i Instytutu I.E. Repina Rosyjskiej Akademii Sztuk, który napisał kilka wspaniałych książek, w tym pierwszą rosyjską monografię poświęconą sztuce rokoka . Czy ta nazwa coś znaczy dla miłośników Internetu? Mało prawdopodobny. Te powtórki, które widzę na temat „Wiek rokoka” (tak samo na innych) wywołują irytację ze względu na swoją prymitywność, zniekształcenie i powtórzenie błędu jednego z niezbyt wykształconych użytkowników. Co możemy wywnioskować z materiałów powtórzonych w różnych miejscach – wzory much, zamieszanie w historycznych fryzurach, ten sam portret obrazkowy pod różne nazwy?! Zapomnieliśmy, że istnieją książki pisane przez naukowców, badaczy, zawodowych pedagogów, którzy poświęcili temu wiele lat. Nie potępiam nikogo szczególnie (z wyjątkiem państwa, które zapomniało, czym jest „działalność edukacyjna”). Chcę tylko doradzić: szukajcie dobrych książek. Prawie wszystkie z nich są publikowane w Internecie. Nie pogardzaj bibliotekami, znajdziesz tam unikalne materiały na interesujący Cię temat. Zbieraj książki o swoim zawodzie. Wykształcony i kompetentny specjalista jest zawsze poszukiwany. Jest autorytatywny i szanowany, jego praca jest zawsze dobrze opłacana. A co najważniejsze interesuje go życie. AAChurya.
Rocaille (fr. rocaille)– zacznijmy od tego słowa. Tak od dawna nazywa się we Francji dekoracje w postaci z grubsza obrobionych kamieni i muszli, którymi ozdabiano ogrodowe groty i fontanny. Już w XVI wieku mistrzowie tego rzemiosła byli znani jako rockailery. Później tym słowem zaczęto oznaczać wszelkiego rodzaju formy przypominające tego rodzaju dekoracje. Stopniowo słowo nabrało specyficznego, nieodłącznego tylko od niego pojęcia: kaprys natury, kaprys wyobraźni, coś niezwykłego, dziwacznego, pretensjonalnego. Stąd nazwa rokoko. (S.M. Daniel „Rooko. Od Watteau do Frogonarda”)
W historii świata i historii sztuki wiek XVIII liczy się od roku 1715, czyli od śmierci Ludwika XIV. W ostatnich latach Króla Słońce Wersal, niegdyś pogrążony w luksusie i rozrywkach, zamilkł. Zamiast balów, maskarad i gier karcianych do białego rana odbywały się teraz uroczyste nabożeństwa i debaty religijne. Dworzanie byli ospali i znudzeni, zastygli w oczekiwaniu. Król nie żyje. Władcą Francji – regentem, aż do osiągnięcia pełnoletności przyszłego Ludwika XV, został książę Filip Orleański, wujek 9-letniego następcy tronu, człowiek bystry, kontrowersyjny, inteligentny, cyniczny, ambitny. Rozpoczął się nowy wiek.
Czytanie z Moliera, ok. 1728. Jana Franciszka de Troy
Styl w sztuce, który ukształtował się we Francji w pierwszej połowie XVIII w., za panowania regenta Filipa Orleańskiego, częściowo kontynuuje cechy odziedziczone po baroku, jednak w znacznym stopniu je modyfikuje. Styl rokokowy powstał w czasie kryzysu absolutyzmu, odzwierciedlając hedonistyczne nastroje charakterystyczne dla arystokracji, tendencję do ucieczki od rzeczywistości w iluzoryczny i idylliczny świat teatralnej zabawy. Rokoko jest wytworem wyłącznie kultury świeckiej, dworu i francuskiej arystokracji. Udało mu się jednak nie tylko odcisnąć piętno na sztuce, ale także wpłynąć na jej dalszy rozwój.
Książę Orleanu nie lubił oficjalnych ceremonii, zatłoczonych uroczystości, gardził etykietą, wolał spędzać czas z bliskimi przyjaciółmi i dużo wiedział o jedzeniu i piciu. Smak epikurejski (głównym zainteresowaniem epikurejczyków jest świat zmysłów, dlatego ich główną zasadą etyczną jest przyjemność) regenta został ucieleśniony w jasnych i kameralnych wnętrzach Palais Royal, nowej paryskiej rezydencji. Dekoracja w stylu regencji była nie tyle imponująca, co przyjemna i zabawna. Miękkie, zachęcające meble z zaokrąglonymi narożnikami zastąpiły masywne dębowe szafki i hebanowe biurka. Nowość nowego stylu, sitodruki tworzyły intymne zakątki, a małe dwuosobowe sofy zapowiadały przyjemną rozmowę, porcelanowe naczynia zachwycały oko najdelikatniejszą kolorystyką i wdzięcznymi kształtami. Odpowiednio umeblowano rezydencje rodzinne, jako przykłady nowego smaku: pojawiły się łazienki i toalety, owalne biura i jadalnie w stylu chińskim.
Centrum formowania się nowej kultury XVIII wieku nie stanowiło reprezentacyjne wnętrze pałacu, lecz salon. Zamiast ogromnych barokowych sal ceremonialnych pojawiają się małe, eleganckie rokokowe salony. Styl rokokowy nie wprowadzał do architektury nowych elementów konstrukcyjnych, lecz wykorzystywał stare, nie ograniczając się do tradycji ich stosowania i mając na celu przede wszystkim osiągnięcie efektu dekoracyjnego. Architektura rokokowa za wszelką cenę stara się być lekka, przyjazna i zabawna; nie dba o stosowność kształtów części konstrukcji, lecz rozporządza nimi według własnego uznania, na zawołanie, unikając ścisłej symetrii.
Ukryte pawilony, chińskie domy, zaciszne groty. Kameralność i przytulność rokokowych pomieszczeń została stworzona dzięki znacznie mniejszym rozmiarom i wyjątkowej dekoracji. Cechami charakterystycznymi rokoka są wyrafinowanie, wielkie dekoracyjne obciążenie wnętrz i kompozycji, pełen wdzięku rytm zdobniczy, duża dbałość o mitologię, sytuacje erotyczne i komfort osobisty. Kolory priorytetowe w tym okresie to stonowane, pastelowe, rozbielone: perłowy, srebrny, blada ochra, masa perłowa, jasnoniebieski i zielonkawy, pastelowy róż. Połączenie ażurowych form, skomplikowanych wzorów i przezroczystych, jasnych kolorów stworzyło odświętny, prawdziwie urzekający spektakl.
Świat miniaturowych form znalazł swój główny wyraz w sztuce użytkowej - w meblach, naczyniach, brązie, porcelanie, a także w architekturze, głównie w charakterze dekoracji, która nabrała manierycznego, wyrafinowanego, zdecydowanie eleganckiego i wyrafinowanego wyglądu. To, co było teraz ważne we wnętrzu, nie było bujne i okazałe, ale przyjemne i wygodne. Budynki powstałe w tym okresie z reguły mają wygląd ściśle klasyczny. Wewnątrz ściany podzielone są na płyciny, wnęki i są bogato zdobione malowidłami, sztukaterią, złoceniami, drobnymi tworzywami sztucznymi, tkaninami dekoracyjnymi, brązem, porcelaną i lustrami.
Większość otwory okienne lustra i panele dekoracyjne nad oknami również miały kształt okrągły lub owalny. Dużo uwagi poświęca się zasłonom. Ponieważ ściany były pokryte drogimi importowanymi tkaninami, zasłony zostały wykonane z tych samych tkanin. Rokoko to styl oparty na detalu. Modnym słowem jest „bagatelle” (francuski drobiazg, bibelot). Za Ludwika XV ściany komnat zaczęto pokrywać rzeźbionymi wzorami o niespotykanym wdzięku, siecią ozdób, malowanymi girlandami z kwiatów, figurkami ptaków, zwierząt, figlarnymi amorkami, pasterzami i misternie zwiniętymi muszlami. Kameralny styl - bez strasznych trofeów, bez halabard, muszkietów i mieczy. Jeśli strzała to bóg Kupidyn, jeśli ptak to gołąb, posłaniec bogini Wenus. Frywolna era lubiła patrzeć na siebie w lustrze, odzwierciedlając iluzję wiecznego święta. Wspaniałe lustra weneckie i francuskie zawieszono na ścianach, umieszczono na sufitach, okiennicach i komodzie. Podłoga została wypolerowana na lustrzany połysk.
 |
 |
 |
||
 |
 |
 |
||
 |
 |
 |
||
 |
 |
 |
Rokoko
Określenie „rokoko” (lub „rocaille”) zaczęto używać w połowie XIX wieku. Początkowo „rocaille” to sposób na ozdabianie wnętrz grot, mis fontann itp. różnymi skamieniałościami imitującymi nacieki naturalne, a „rocaille maker” jest mistrzem w tworzeniu takich dekoracji. To, co obecnie nazywamy „rokokiem”, kiedyś nazywano „smakiem obrazowym”, ale w latach pięćdziesiątych XVIII wieku. Nasiliła się krytyka wszystkiego, co „pokrętne” i „wymuszone”, a w literaturze zaczął pojawiać się termin „zepsuty gust”. Szczególny sukces w krytyce odnieśli encyklopedyści, według których „zepsuty gust” pozbawiony był racjonalnej zasady.
Główne elementy stylu: rocaille - curl i kartel - zapomniane już określenie używane do nazywania kartuszy rocaille. Jednym z najwcześniejszych przypadków użycia tych terminów jest „Trzecia księga form Rocaille i karteli” syna Mondona z 1736 r. (patrz ilustracje poniżej). Znajdujemy je także w liście (z 7 kwietnia 1770 r.) mistrza Roetje (który pod koniec lat 60. XVIII w. wykonał srebrną usługę dla Katarzyny II, zwaną później „usługą Oryol”; ocalałe przedmioty przechowywane są w Państwowym Ermitażu) . W liście tym odzwierciedlono także zmianę gustów, jaka nastąpiła na przełomie lat 1760-70: „...od czasu E.I.V. pragnie, aby porzucono wszelkiego rodzaju figury i kartele, dołożymy wszelkich starań, aby zastąpić je biżuterią zabytkową i kierując się najlepszym gustem, zgodnie z życzeniem…” (cytat z dokumentu RGIA).
Pomimo popularności nowych „form antycznych”, które weszły w modę pod koniec lat pięćdziesiątych XVIII wieku. (kierunek ten nazywano „smakiem greckim”; przedmioty tego stylu często mylnie mylono z późnym rokokiem), tzw. rokoko zachowało swoją pozycję do samego końca stulecia.
Architektura
Architektoniczny (dokładniej dekoracyjny) styl rokoko pojawił się we Francji w okresie regencji (-), a apogeum osiągnął za Ludwika XV, rozprzestrzenił się na inne kraje europejskie i dominował tam aż do lat trzydziestych XX wieku.
Odrzuciwszy zimny przepych, ciężką i nudną pompatyczność sztuki czasów Ludwika XIV i włoskiego baroku, architektura rokokowa za wszelką cenę stara się być lekka, przyjazna, zabawna; nie dba o organiczne połączenie i rozmieszczenie części konstrukcji, ani o celowość ich form, lecz rozporządza nimi z całkowitą dowolnością, aż do kaprysu, unika ścisłej symetrii, nieustannie różnicuje podziały i detale zdobnicze i nie skąpi w marnowaniu tego ostatniego. W dziełach tej architektury proste linie i płaskie powierzchnie niemal zanikają lub przynajmniej są zamaskowane figuralną dekoracją; żadne z ustalonych zleceń nie jest realizowane w czystej formie; kolumny są czasem wydłużane, czasem skracane i skręcone spiralnie; ich kapitele są zniekształcone zalotnymi zmianami i dodatkami, nad gzymsami umieszczono gzymsy; wysokie pilastry i ogromne kariatydy podtrzymują nieznaczne ryzality z bardzo wystającym gzymsem; dachy otoczone są wzdłuż krawędzi balustradami z tralkami butelkowymi i umieszczonymi w pewnej odległości od siebie cokołami, na których ustawia się wazony lub posągi; frontony, przedstawiające połamane wypukłe i zapadnięte linie, zwieńczone są także wazonami, piramidami, figurami rzeźbiarskimi, trofeami i innymi podobnymi przedmiotami. Wszędzie, w obramowaniach okien, drzwi, przestrzeniach ścian wewnątrz budynku, w abażurach zastosowano misterną dekorację sztukatorską, składającą się z loków niejasno przypominających liście roślin, wypukłych tarcz nieregularnie otoczonych tymi samymi lokami, masek, girland i festonów z kwiatów, muszle, szorstkie kamienie (rocaille) itp. Pomimo takiego braku racjonalności w wykorzystaniu elementów architektury, takiej kapryśności, wyrafinowania i uciążliwych form, styl rokoko pozostawił po sobie wiele zabytków, które do dziś fascynują oryginalnością, luksusem i pogodnym pięknem , barwnie przenosząc nas w epokę różu i bielenia, much i pudrowanych peruk (stąd niemieckie nazwy stylu: Perückenstil, Zopfstil).
Obraz
Pojawienie się stylu rokoko było spowodowane zmianami w filozofii, gustach i życiu dworskim. Ideologiczną podstawą stylu jest wieczna młodość i piękno, szarmancki i melancholijny wdzięk, ucieczka od rzeczywistości, chęć ukrycia się przed rzeczywistością w sielankowej sielance i wiejskich radościach. Styl rokoko powstał we Francji i rozprzestrzenił się na inne kraje: Włochy, Niemcy, Rosję, Czechy itp. Dotyczy to malarstwa i innych form sztuki. W Rosji w epoce rokoka malarstwo typu europejskiego pojawiło się dopiero po raz pierwszy, zastępując własną rosyjską tradycję, malowanie ikon. To jest portret autorstwa Antropowa i Rokotowa. Reprezentatywność (zgodność cech próbki z cechami populacji lub populacji ogólnej) zastępuje intymność, wykwintna dekoracyjność i fantazyjna gra form. Malarstwo rokokowe najwyraźniej objawiło się we Francji i Włoszech. Zamiast kontrastów i jaskrawych kolorów w malarstwie pojawiła się inna gama barw, jasne pastele, róż, błękit, liliowy. W tematyce dominują motywy sielskie, bukoliczne, czyli pasterskie, gdzie bohaterowie nie są obarczeni trudami życia, lecz oddają się miłosnym radościom na tle pięknych krajobrazów otoczonych owcami. Po raz pierwszy cechy tego stylu pojawiły się w twórczości Antoine’a Watteau, którego tematem przewodnim były huczne uroczystości. Jego twórczość zaliczana jest do realizmu, dość rzetelnie przedstawiał życie dworzan. Ale w jego obrazach wyraźnie widać nowy styl. Kolejną charakterystyczną cechą tamtych czasów był erotyzm. Powstało wiele obrazów przedstawiających akty, różne nimfy i Wenus. Największym przedstawicielem rokoka we Francji jest Francois Boucher, który zajmował się gatunkiem portretu i pejzażu.
We Włoszech największym przedstawicielem tamtych czasów był Giambattista Tiepolo (1696, Wenecja - 1770, Madryt). Wiele uwagi poświęcono wówczas freskom, malowaniu sufitów, sklepień i ścian. Wśród artystów istniała nawet specjalna specjalizacja - malarz kwadraturowy. Przedstawiał iluzoryczne formy architektoniczne, które służyły jako rama, a nawet tło. W tym przypadku to, co narysowane na płaszczyźnie z daleka, wydaje się być rzeźbą. Takie obrazy znajdują się na przykład w holu Pałacu Zimowego. Wybitnym artystą jest Pietro Longhi. Jego codzienne sceny w pełni wpisują się w charakter stylu rokoko – przytulne salony, święta, karnawały. Ponadto w tym czasie we Włoszech rozwinął się inny kierunek, który nie do końca wpisuje się w ramy stylu. To wedutyzm, realistyczne i dokładne przedstawienie widoków miasta, zwłaszcza Wenecji. Panuje tu zasada dokładnego przekazu rzeczywistości. Widoki Wenecji namalowali Canaletto i Francesco Guardi. Bernardo Bellotto pracował także w Niemczech. Jego pędzle należą wspaniałe widoki Drezno i inne miejsca.
Muzyka
Rokokowy styl muzyczny w swojej „czystej formie” objawił się w twórczości „wielkich francuskich klawesynistów” François Couperina („Wielki”) i Jeana Philippe’a Rameau (nie mniej wielkiego, ale bez tego samego „tytułu”). Ich mniej znani współcześni współcześni pracowali dokładnie w ten sam sposób: Louis Claude Daquin, Antoine Forcret, Andre Campra, Joseph Baudin de Boismortier, Louis Nicolas Clerambault, Marine Marais i wielu innych. Jednomyślnie ogłosili, że ich poprzednikiem jest wielki Jean Baptiste Lully.
Styl rokoko w muzyce charakteryzuje się dokładnie tymi samymi cechami, co w malarstwie i architekturze. Bogactwo drobnych dekoracji dźwiękowych i loków (tzw. „melizmów”, przypominających kręte linie stylizowanych muszli „rocaille”), przewaga form małych (biżuteryjnych) i kameralnych, brak jasnych kontrastów i dramatyzmu efekty, dominacja tych samych, znanych z obrazów, motywów i obrazów Bouchera: żartobliwych, zalotnych i szarmanckich. A sam instrument, klawesyn, który osiągnął swój szczyt rozkwitu i popularności w epoce stylu szarmanckiego i rokoka, czym jest to, jeśli nie najwyższym wyrazem wszystkich cech tego samego stylu rokoko? Instrument kameralny o niewielkich (lub nawet bardzo małych) rozmiarach, o cichym brzmieniu, które szybko zanika i wymaga dużej liczby drobnych nut do wypełnienia przestrzeni. Nie trzeba dodawać, że dekoracja zewnętrzna instrumentu: wyszukana, bogata, pełna drobnych dekoracji i najdrobniejszych szczegółów nieuchronnie dopełniała jedność stylu.
Banał Lauros-Giraudon (XVIII wiek). " Trzy muzy w pocie czoła».
Sztuka i rzemiosło
Styl rokokowy znakomicie wyrażał się także we wszystkich gałęziach produkcji artystycznej i przemysłowej; ze szczególnym powodzeniem stosowano go w produkcji porcelany, nadając swoim wyrobom niepowtarzalną elegancję zarówno formie, jak i zdobnictwu; Dzięki niemu fabrykacja ta zrobiła w swoich czasach ogromny krok naprzód i zyskała duże uznanie wśród miłośników sztuki.
W 1708 roku alchemik Johann Friedrich Böttger odkrył tajemnicę wytwarzania porcelany i odkrył odpowiednią do tego glinę. Pierwsza fabryka została otwarta w Miśni, gdzie pierwszym mistrzem był Johann Gottlieb Kirchner. Porcelana zyskuje na popularności i powstają kolejne ośrodki jej produkcji. Najbardziej znana była manufaktura w Sèvres, w której pracował Etienne Maurice Falconet. Oprócz porcelany modne jest srebro. Wykonujemy miseczki na czekoladę, wazy, dzbanki do kawy, naczynia, talerze i wiele innych. W tym stuleciu narodziła się sztuka kulinarna w jej nowoczesnej formie, w tym sztuka nakrywania stołu.
Meble rokokowe mają charakterystyczne cechy. Jedną z najbardziej uderzających cech są zakrzywione linie i zakrzywione nogi. Meble stają się lżejsze i bardziej eleganckie w porównaniu do tego, co było wcześniej. Pojawiają się nowe meble: konsole, sekretarzyki, komody, komody, szafy. Dwa najpopularniejsze typy krzeseł to Bergere i Marquise.
Liryzm rokokowy jest znacznie lżejszy od pompatycznej poezji klasycyzmu, dlatego nazywany jest „poezją lekką” (franc. poezja) lub „poezję przemijania” (fr. Poesie zbieg). Najczęstszymi formami tego stylu były pieśni alkoholowe, zabawne przesłania, madrygały, sonety i fraszki (teksty autorstwa Evariste Parni, markiza de Lafara itp.)
Bibliografia
- Gniew A, „Literarisches Rokoko”, Stuttg., 1962
- Schumann, „Barock und Rokoko” (Lipsk, );
- Gurlitt, „Geschichte des Barockstils, des Rokokos und des Klassizismus” (Stuttgart, -88)
- Dohme, „Barock- und Rokoko-Architectur” (B., ).
- Encyklopedyczny słownik muzyczny. Steinpress B. S., Yampolsky I. M. „Encyklopedia radziecka” M., 1966.
- Ogólna historia sztuki (w sześciu tomach), wyd. B.V. Weimarn i Yu.D. Kolpinsky. Wydawnictwo Państwowe „Art” M., 1965.
- Andre Camprę. „L’Europe Galante”. DHM Edition Classica. 1988.
- Historia sztuki światowej, pod red. A. Sabasznikowa, M.: BMMAO, 1998.
- Encyklopedia malarstwa. wyd. po rosyjsku język - wyd. N. A. Borisovskaya i in., M. 1997.
- Encyklopedyczny słownik malarstwa, wyd. Michel Laclotte, dyrektor Luwru, Rosja. wydanie, M.: Terra, 1997.
Notatki
Spinki do mankietów
| Ruchy w sztuce zachodniej | |
|---|---|
| Średniowiecze | |
| Nowy czas | |
| Modernizm | |
| Nowoczesny sztuka |
|
W XVIII wieku sztuka zachodnioeuropejska stała się bodaj głównym przedmiotem gorącej debaty, punktem zderzenia różnych światopoglądów, odzwierciedlającym ogólny obraz przemieszania i różnorodności form jej istnienia. Współcześni spierali się o relację sztuki i natury, rolę i cel artysty i widza, relację między prawdą a fikcją. Cecha charakterystyczna W tym czasie niezaprzeczalnym faktem stało się nie stopniowe zmienianie się, ale jednoczesne istnienie baroku, klasycyzmu, rokoka i sentymentalizmu.
Jak klasycyzm i ideały baroku, tak odmienne, a pod wieloma względami wręcz przeciwne w istocie, „współistniały” w tej trudnej sytuacji?
Klasycyzm był pierwszym jasno określonym kierunkiem w sztuce europejskiej, który stworzył własny program estetyczny, wypracował rygorystyczne zasady twórczości artystycznej i własną orientację ideologiczną (Jeśli na początku sztuka klasycyzmu była nierozerwalnie związana z ideą monarchii absolutnej i była ucieleśnienie integralności, wielkości i porządku, później w postaci tzw. rewolucyjnego klasycyzmu, którego kolebką była Francja, służył sprzecznym ideałom walki z tyranią i utwierdzenia praw obywatelskich jednostki. na ostatnim etapie swojego rozwoju klasycyzm zaczął aktywnie wyrażać ideały imperium napoleońskiego - nie bez powodu znalazł swoją artystyczną kontynuację w stylu empire).
Sztuka baroku, która została wystarczająco szczegółowo opisana w poprzednich postach (jeśli ktoś jest zainteresowany, można je znaleźć za pomocą odpowiedniego tagu), opierała się bardziej na intuicji niż na racjonalnych zasadach, w związku z czym nie tworzyła żadnej teorii. Klasycyzm porzucił fundamentalną niekonsekwencję baroku i odrzucił jego główne motto: „Kto nie łamie zasad, nie jest poetą”. Uznając jedynie harmonię i porządek, klasycyzm „wyprostował” dziwaczne formy sztuki barokowej i przestał postrzegać tragiczność świat duchowy człowieka, a główny konflikt przeniósł do sfery relacji jednostka–państwo.
Barok, który prawie całkowicie przeżył swoją użyteczność i doszedł do logicznego wniosku, ustąpił miejsca klasycyzmowi. Ale prawdziwym spadkobiercą baroku nie był klasycyzm, ale inny styl - rokoko.
Rokoko w sztukach pięknych:
Jean Honore Fragonard „Szczęśliwe możliwości huśtawki” (1766)
W latach 20. XVIII wieku we Francji rozwinął się nowy styl w sztuce - rokoko (z francuskiego rocaille - zlew). Już sama nazwa zdradzała główną, charakterystyczną cechę tego stylu – upodobanie do wyrafinowanych i skomplikowanych kształtów, dziwacznych linii, pod wieloma względami przypominających sylwetkę muszli.
Muszla albo zamieniła się w skomplikowany lok z dziwnymi rozcięciami, albo w dekorację w postaci tarczy lub na wpół rozwiniętego zwoju przedstawiającego herb lub godło.
We Francji zainteresowanie stylem rokoko osłabło pod koniec lat 60. XVIII w., lecz w krajach Europy Środkowej jego wpływ był zauważalny aż do końca XVIII w.
Sztuka rokokowa powstała w dobie duchowego kryzysu władzy absolutystycznej we Francji. Odzwierciedlając ideały i nastroje wyższych warstw francuskiego społeczeństwa, nie mógł powstrzymać się od wpływu arystokratycznych klientów.
Głównym celem sztuki rokoko absolutnie hedonistyczny - zapewniają zmysłową przyjemność. Sztuka miała sprawiać przyjemność, dotykać i bawić, zamieniając życie w wyrafinowaną maskaradę i „ogrody miłości”. Skomplikowane romanse, przelotne hobby, odważne, ryzykowne działania bohaterów rzucające wyzwanie społeczeństwu, przygody i fantazje, szarmanckie rozrywki i wakacje determinowały treść dzieł sztuki.
Charakterystyka rokoka które można zidentyfikować w dziełach sztuki tego stylu, można rozpoznać w następujący sposób:
1. Wdzięk i lekkość, misterność, dekoracyjne wyrafinowanie i improwizacja, pasterstwo (pasterska idylla), tęsknota za egzotyką.
2. Ozdoba w postaci stylizowanych muszelek i loków, arabesek, girland kwiatowych, figurek kupidynów itp.
3. Połączenie pastelowych jasnych i delikatnych kolorów z dużą ilością białych detali i złota.
4. Kult pięknej nagości, wywodzący się ze starożytnej tradycji, wyrafinowana zmysłowość, erotyzm.
5. Kult małych form, intymności, miniaturowości (zwłaszcza w rzeźbie i architekturze), umiłowanie drobiazgów i bibelotów („uroczych drobiazgów”), które wypełniają życie szarmanckiego człowieka „wieku walecznego”.
6. Estetyka niuansów i podpowiedzi, intrygująca dwoistość obrazów przekazywana za pomocą lekkich gestów, półobrotów, ledwo zauważalnych ruchów twarzy, półuśmiechów, zmrużonych oczu lub mokrego błysku w oczach.
Styl rokoko swój największy rozkwit osiągnął w dziełach sztuki zdobniczej i użytkowej we Francji (wnętrza pałaców i stroje arystokracji).
W Rosji objawiało się to przede wszystkim w dekoracji architektonicznej - w postaci zwojów, tarcz i misternych muszli - rocaille(ozdobne ozdoby imitujące połączenie fantazyjnych muszli i dziwnych roślin), a także maszkarony(formowane lub rzeźbione maski w formie ludzka twarz lub głowa zwierzęcia umieszczana nad oknami, drzwiami, łukami, na fontannach, wazonach i meblach).
Styl rokoko szybko wyszedł z mody.
Ale jego wpływ, na przykład, na impresjoniści nie ma wątpliwości. A wpływ rokoka widać najwyraźniej w pracach artystów i architektów tego stylu.
Dziękuję za uwagę.Siergiej Worobiew.
